bö: 2018

DIE AMERIKANISCHE POP ART

Allgemein

Die Kunstrichtung „Pop Art“ (aus dem Englischen für „popular Art“ = „volkstümliche Kunst“) entstand Mitte der 50er Jahre des 20. Jahrhunderts unabhängig voneinander in den USA und in England.

Die Pop Art-Künstler verwendeten für ihren künstlerischen Ausdruck vorwiegend Motive aus dem Alltag, Konsum, Massenmedien und Werbung. Interessant für die Künstler stellten sich insbesondere menschliche Idole des amerikanischen Normalbürgers dar (z.B. Präsident Kennedy, Marilyn Monroe), nebst banalen Geschehnissen und Gegenständen, die von ihrer Unscheinbarkeit ins Licht der Aufmerksamkeit gerückt wurden.

Die Darstellung erfolgte dann in Form von überdimensionalen Comics oder zumindest im Stil der Comics mit schwarz umrandeten Formen. Die Farbwahl war z.T. grell, bunt und auffallend, eingesetzt in traditionellen oder modernen Ausdrucksformen wie Fotomontagen, Environments oder Happenings. Erlaubt war, was populär, verbrauchbar, auffallend, billig, sexy und witzig schien.

Nach anfänglich ablehnender Haltung in der Gesellschaft, Empörung und Aufschreien, entwickelte sich die Pop Art alsbald zur vorherrschenden Kunstrichtung des 20. Jahrhunderts. Sie erfreute sich zahlreicher Anhänger, Nachahmer und Bewunderer und die Motive waren praktisch überall zu finden: Ob nun im Supermarkt um die Ecke (sehr berühmt sind die Aufdrucke von Campbells Suppendosen), am Zeitungskiosk in den Comic-Heften oder den Werbebildern der Magazine und Zeitschriften. Bis heute ist die Pop Art als Gestaltungsmittel äußerst beliebt bei der Werbeindustrie.

Im Gegensatz zur allgemeinen Auffassung der Gesellschaft und der Medien, steckte hinter der Darstellung des Trivialen und Massenkonsums bittere Kritik, die von den Künstlern selbst gern als „Antikunst“ bezeichnet wurde. Zentraler Punkt der Kritik war die konsumorientierte, kapitalistische Gesellschaft mit ihrer Wegwerf-Haltung, der Ignoranz gegenüber den Details und kleinen Bedeutsamkeiten, sowie der Blindheit gegenüber der gesellschaftlichen Entwicklung innerhalb und außerhalb Amerikas.

allgemeine GESTALTUNGSPRINZIPIEN bei Bildern

Die Pop Art ist an einige wesentliche Prinzipien der Gestaltung gebunden:

· die Hauptanforderung ist die Darstellung der absoluten Realität, d.h. alle Elemente müssen reine, klar definierte Gegenstandselemente sein

· die meisten Formen sind wie in Comic-Heften schwarz umrandet

· die dargestellten Gegenstände auf Plakaten sind ohne Tiefe, sprich eine flächige Darstellung

· verwendet werden klare Farben, v.a. unbunte (Grautöne) und Primärfarben

· bei der Popart handelt es sich um Trivialgrafiken, d.h. banale Gegenstände des Alltags werden isoliert, allein oder in Collagen dargestellt

· es besteht eine Verknüpfung zwischen Realität und Kunst, die aus eigenen, individuellen abstrakten Mitteln besteht

EDWARD KIENHOLZ (1927- 94)

und Nancy Reggin (mit der Kienholz ab 1972 als Paar zusammenarbeitete)

Edward Kienholz geht als einer der Künstler in die Geschichte ein, welche als erstes den Schritt vom dadaistischen Environment zur Objektkunst wagten. Neben der Objektkunst ist er auch Vertreter der Konzeptkunst und wird als neodadaistischer Künstler eingestuft. Auch in der Pop Art erscheint er eher ein Ausnahmekünstler, welcher als Autodidakt nie eine Grafikschule oder ähnliches besuchte.

Er gewinnt aufgrund seiner vielseitigen Beschäftigungen zunehmend mehr Einsicht in das alltägliche Leben, hat mit Kranken, Reichen und weniger gut Situierten zu tun. Den Eindruck, welchen er durch seine teilweise sehr kurzfristigen Erfahrungen erlangt, dient ihm in seinen späteren Jahren als Künstler als Grundstein für die Gesellschaftskritik.

Edwards und Nancys Kunst dreht sich bereits von Beginn seines Schaffens um gesellschaftskritische Themen wie Rassendiskriminierung, Vietnamkrieg oder Frauenfeindlichkeit.

In ihrer Tätigkeit als künstlerische Moralisten stellen sie immer wieder das massige Konsumverhalten der Bürger in Kontrast zu katastrophalen Ereignissen oder Ungerechtigkeiten des sozialen Lebens.

Ausschnitt aus "the beanery"

Sie arbeiten vor allem Environments.

das Environment: Man versteht unter diesem Begriff eine künstlerisch gestaltete Raumsituation, wobei verschiedene Objekte und Materialien vom Künstler gestaltet und angeordnet werden. Meist tritt diese Anordnung auch in Kombination mit Plastiken und Malerei auf. Der Betrachter wird bei einem Environment (welches auch häufig begehbar ist) mit der direkten Realität konfrontiert.

Die amerikanische Gesellschaft der 60er
- und die Kritik der Pop Art

Die amerikanische Gesellschaft in der Zeit der aufkeimenden und gedeihenden Pop Art war geprägt vom Ausdruck des Wiedererlangten Wohlstandes nach dem Zweiten Weltkrieg. Hollywood florierte, der Amerikanismus gedieh, die Medienindustrie wuchs, Fortschritt und Profit durchzog die Gedanken der Industrie.

In dieser Zeit des Patriotismus fand die Pop Art ihre Wurzel, die Hauptausprägung jedoch in einer wesentlich kritischeren Zeit.

Der Kalte Krieg beherrschte das weltpolitische Geschehen dieser Zeit und 1962 fand er mit dem Höhepunkt der Kubakrise eine neue Dimension. Am „schwarzen Samstag“ (27.10.1962) kam es fast zum Ausbruch eines Nuklearkrieges durch die Bombadierung eines sowjetischen U-Boots mit Nuklearwaffen. Die Krise konnte im letzten Moment verhindert werden, doch viele Vorgänge und Aktionen der amerikanischen Regierung wurden vor der Bevölkerung geheim gehalten, um das „Gesicht der moralischen Korrektheit“ zu bewahren. Allerdings war sich insbesondere die intellektuelle Schicht im Klaren, dass mehr hinter der Sache steht.

Ähnliches geschah auch während der Geschehnisse des Vietnamkrieges, der während der 60er durch die militärische Invasion Amerikas gezeichnet war. Die Regierung ließ die Bürger über den Großteil ihrer Unternehmungen während des Krieges im Unklaren, jedoch sah man sich im „moralischen Recht“ und machte dies in allen Bereichen deutlich.

Glücklicher Weise änderte sich diese Haltung in erster Linie außerhalb der USA alsbald, nicht zuletzt durch die offene Berichterstattung der Reporter im Kriegsgebiet, die das wahre Ausmaß an Brutalität und Zerstörung verdeutlichten. Studenten organisierten z.B. als Protestaktion den „zivilen Ungehorsam“ der auch im Zusammenhang mit der afroamerikanischen Bürgerrechtsbewegung stand (Leitfigur: Martin Luther King jr.), welche ebenfalls schnell im Ausland auf Gehör stieß.

Die Künstler der Pop Art versuchten mit ihrer Darstellung des Trivialen der breiten Bevölkerung ihre eigentliche Oberflächlichkeit nahe zu bringen, besonders angesichts der erschreckenden Taten und Haltungen ihrer Regierung und der Bevölkerungsmasse. Während sich im eigenen Land ein Teil der Bevölkerung gegen Ungerechtigkeiten und Misshandlung von Mitbürgern wehrte, galt das Interesse der weißen Gesellschaft dem Konsum und ihren menschlichen Idolen. Dabei stellten sich die Künstler die Frage, wie weit sie ihre Kunst trivial gestalten mussten um Trivialität zu enttarnen. Leider gelangen diese Absichten der Entlarvung nicht immer. Die Kritik wurde nur von denen entdeckt, die wachen Auges durch die Gesellschaft spazierten, große Teile der Gesellschaft selbst sahen die Antikunst jedoch als Bestandteil der Medien und des Konsums. Die Künstler wollten den Rezipienten ihre eigene Oberflächlichkeit, Bereitschaft zum Luxus und Glätte spiegelbildlich vor Augen setzten, eine Aufforderung in sich zu gehen und zu prüfen. Doch war die künstlerische Abbildung der kommerziellen Wirklichkeit zu perfekt arrangiert um durchsichtig genug zu sein. Letztlich wurde die Pop Art für das verwendet, was sie eigentlich zu enttarnen gedachten – Kommerz und Verkauf.

Erklärungsansätze für diese vergleichsweise versteckte Kritik lassen sich aus der sehr guten werbegrafischen Ausbildung der Künstler und der dadurch resultierenden fehlenden Spannung zwischen Dargestelltem und Rezipienten herleiten. Doch letztlich bringt vielleicht genau diese Unfähigkeit der Bevölkerung, ihre eigentliche Trivialität zu erkennen, den perfekten Beweis für die Richtigkeit der Kritik. Die Pop Art zeigt die Verwundbarkeit der Wohlstandsgesellschaft, die sich selbst als kulturell vorbildlich und richtungsweisend sieht.

Auszüge aus SCHOOL-SCOUT

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Sigmund Freud, "Bewusstsein und Unterbewusstsein"

ca. 1924- (36) bis heute

definition: Französisch "sur" = über; realismus= Wirklichkeit

surrealismus = Überwirklichkeit

Margritte

Der Surrealismus will den alten Gegensatz zwischen dem Ich und der Welt, dem Innen und Außen aufheben, indem er Dinge schafft, die Innen und Außen zugleich sind.

Der Surrealismus beruht auf dem Glauben an die höhere Wirklichkeit gewisser, bis dahin vernachlässigter Assoziationsformen,
an die Allmacht des Traumes,
an das zweckfreie Spiel des Denkens.
Er zielt auf die endgültige Zerstörung aller anderen psychischen Mechanismen und will sich zur Lösung der hauptsächlichen Lebensprobleme an ihre Stelle setzen. „Überwirklichkeit", bezeichnet dabei nicht eine „über" der Realität liegende zweite Wirklichkeit, sondern die Aufhebung der alltäglichen wie der Traum-Wirklichkeit in eine beide umfassende Realität.
Bilder mit Darstellungen die wirklich und real aussehen, es aber in der Realität nicht wirklich geben kann, also über und jenseits der Realität liegen.

Dalí

Wir unterscheiden:

- veristischer Surrealismus

= Darstellungen von Traumwelten mit erkennbaren Situationen, d. h. man kann die Situation noch als wahr verstehen.

Miró

- absoluter Surrealismus

= Darstellungen von nicht mehr erkennbaren, auch gegenstandslosen, abstrakten Situationen.

Madoz

Kennzeichen und Ziele:

x. manchmal fotorealistische Malweise in altmeisterlicher Technik (zB. Dalí) mit allen Merkmalen akademischer Kunst
x. Vordringen in das Reich des Unbewussten
x. Sichtbarmachen von Traumwelten, Trancezuständen und Seelenbilder.
x. Anwendung der Psychoanalyse (von Sigmund Freud) : das Denken, Fühlen und Handeln des Menschen wird von unbewussten Kräften geprägt und gesteuert: - Traumats der Kindheit; - Triebe (Eros = Liebes- und Schöpfungstrieb, Tanathos = Todestrieb); - Das Über-Ich (Erziehung, Eltern); - Archäotypen (Bildhafte Vorstellung von Urtypen > Hexen, Monster, Engel,...). Dieses Unbewusste "ES", das sogenannte "Über-ich" bestimmt das Leben des Menschen
x. dies kann mit hilfe der Traumdeutung, Psychoanalyse enschlüsselt werden (traum = sichtbare Bilder des Unbewussten)
Der Surrealismus zeigt Darstellungen des Metaphysischen = was nicht mit Physik und Naturgesetzen erklärt werden kann:
- Ungewöhnliche, rätselhafte Konstellationen
- vertraute Gegenstände in ungewohnter Situation
- oft leere weite Räume (weite Wüsten, Sandlandschaften, leere Zimmer, leere Städte immer mit überraschendem Gegenstand oder Andeutungen)
- Puppenhafte oder versteinerte Menschenfiguren
- Überraschende Wirkungen haben oft Ängste auslösenden, unbehagendem, makaberen Beigeschmack
Irritation des Betrachters
- der kontrollierende Verstand soll ausgeschaltet werden, um das Unbewusste zu bewahren
- dadurch werden unsere Erfahrungen, auch wenn sie verdrängt sind, bewusst und die eigene Erlebnisfähigkeit erweitert.

Technik:

oft altmeisterlich, akademisch, realistisch, modelliert mit richtigen Perspektiven (Zentral-, Farb-, und Luftperspektive); richtige Proportionen, aber auch pseudo richtige Proportionen. Jetzt auch viel Fotografie, mit Photoshop bearbeitet / verfremdet.

Hinzu kommen (Zufalls-)Techniken, zB.:
x.die Collage
x.die Frottage (Durchreibetechnik)
x.die Fumage (Raucharbeit)
x.die Grattage (Kratzarbeit)
x.die Montage (Materialbilder)
x.die Decalcomanie (Abklatschtechnik)

Ernst

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Freitag, 22. Juni 2018

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Montag, 26. Februar 2018

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